Dans la province d’Asti, le charme de la Normandie, dans les chefs-d’œuvre des Impressionnistes

Dans la province d'Asti, le charme de la Normandie, dans les chefs-d'œuvre des Impressionnistes

Asti – dans L’image emblématique de bonheur dans la peinture est enfermé dans le physique, la personnalité du vent et de la brume, la mer de Normandie a inspiré, avec ses microcosmes, naturel, des artistes de partout dans le monde.
Du 13 septembre au 16 février, le Palazzo Mazzetti devient le cadre d’une exceptionnelle corpus de 75 œuvres qui raconte l’histoire du mouvement impressionniste en Normandie, qui retrace, en commençant par les premières décennies du Xixe siècle, les étapes les plus importantes de la peinture d’impression, puis a évolué dans le post-impressionnisme et dans les principaux mouvements de l’avant-garde artistique du Xxe siècle qui font de la couleur le principal outil d’expression.

Pour la première fois dans la province d’Asti, l’exposition “Monet et les impressionnistes en Normandie. Chefs-d’œuvre de la Collection Peindre en Normandie”, couvre les échanges, les comparaisons et les collaborations entre grands artistes, de Claude Monet à Thèdore Géricault, Jean-Baptiste Corot, Eugène Boudin, par Auguste Renoir, Pierre Bonnard. Point de départ du projet d’exposition est le patrimoine pictural qui a donné naissance à la Collection « Peindre en Normandie », l’une des collections les plus représentatives de l’art impressionniste, avec des chefs-d’œuvre allant de Camille sur la plage, prêt à partir le Musée Marmottan, à Paris, les Bateaux sur la plage d’Étretat, par Monet, à venir de la Fondation Bemberg à Toulouse, et à nouveau à partir du Coucher du soleil, vue de Guernesey par Renoir à La plage de Trouville par Courbet, pour n’en citer que quelques œuvres seront exposées dans le salon.

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Les Nabis, les prophètes de l’art mondial

Les Nabis, les prophètes de l'art mondial

Monde – Derniers jours à Paris pour visiter l’exposition temporaire du groupe des Nabis et le Décor, qui sont exposées jusqu’au 30 juin 2019 au Musée de Luxembourg, une occasion de mieux se familiariser avec Les Nabis, un groupe d’artistes avveniristi animés par la recherche d’un art total. Avec cet objectif, Les Nabis produire des œuvres qui sortent de l’ordinaire, et parviennent encore aujourd’hui à vous exciter pour leur unicité qui les place parmi les promoteurs de l’art moderne.

Les inventeurs de la grammaire artistique de l’interprétation du monde et capable d’apporter de la beauté dans chaque lieu, à l’intérieur des murs de la maison, Les Nabis, “Les Prophètes”, comme l’auto-définition, en adaptant le terme  » hébreu « nebiim », cherchent à capter l’âme de l’art dans la convergence de toutes les expressions de l’art, le mélange et le placer au même niveau que la technique, la décoration, la création artistique et de l’artisanat.

Une expérience de l’art total, où les artistes participants du premier noyau du groupe: Pierre Bonnard, Edouard Vuillard, Mauris Denis, rejoint bientôt par Aristide Maillol, Marguerite Sérusier, Paul Sérusier, Paul-Elie Ranson, Félix Vallotton, Georges Lacombe, Henri-Gabriel Iblels, Ker-Xavier Roussel, Jan Cf, Jozsef Rippl-Ronai.

Le travail artistique de Paul Gauguin et d’une exposition d’estampes japonaises lieu à Paris, à l’Ecole des plus beux-Arts du 25 avril au 22 mai 1890, l’influence du groupe, contagiandone le style avec l’essoufflement de la course, et expressive des lignes, des couleurs vives, en forme à votre goût, le plan vertical à la place de la perspective.

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Hermann Hesse et Theodor Heuss, une amitié en cette période de mutation au nom de l’art

Hermann Hesse et Theodor Heuss, une amitié en cette période de mutation au nom de l'art

Le monde – Un amour profond pour l’art du dessin et de la littérature, de la commune de souabe origine, mais par-dessus tout, un respect mutuel, comme en témoigne le long échange de lettres, en plus de la commune de la fermeté dans la défense de l’autre tout en restant fidèles à leurs convictions, bien que loin des dogmes imposés par l’esprit de l’époque.
Sont quelques-uns des facteurs qui ont caractérisé l’amitié entre l’écrivain et prix Nobel de littérature, Hermann Hesse, et le premier Président de la République Fédérale d’allemagne, Theodor Heuss. Une association de longue date, qui est devenu le fil rouge de l’exposition “de Hermann Hesse et Theodor Heuss – une relation d’amitié, les temps qui changent », organisée jusqu’au 2 février 2020 au Musée Hermann Hesse à Montagnola, dans le district de Lugano, dans le Canton du Tessin. Le chemin est inséré entre les célébrations pour commémorer les cent ans de l’arrivée de l’écrivain dans le Tessin, à l’appartement de la Casa Camuzzi à Montagnola, où Hesse a vécu à partir de 1919 à 1931.

À partir de la première contacts professionnels – a commencé quand ils étaient tous les deux comme deux jeunes amoureux de la littérature, les dernières années de leur carrière, le chemin de l’amitié commence par une critique de livre par les jeunes Theodor Heuss, à l’époque rédacteur en chef de la revue  » Die Hilfe Berlin, dédié en 1906, la collection d’histoires courtes, Diesseits de la Hesse. Déjà à l’époque, le jeune et célèbre écrivain de tendances libérales, il lutta pour l’extension des droits démocratiques dans l’Empire allemand.

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Plexus dans les Thermes de Caracalla: parcours historique-émotionnelles dans les entrailles de Rome

Rome – des Fours, des chaudières, des entrepôts, etc. Et encore de l’eau, le feu, le vent et la foudre qui se réunissent dans une combinaison de l’antiquité et l’archéologie pour générer un univers fluide circulant dans la grande artère souterraine, au-dessous de l’exèdre du caldarium des Thermes de Caracalla. Une passionnante intervention de Fabrizio Plessi, l’un des protagonistes de l’art vidéo international, inaugure un nouveau champ de la plus somptueuse centrale thermique de l’antiquité, à Rome, qui s’ouvre au public, après un travail complexe de consolidation – pour un parcours inspiré par les thèmes classiques, à la fois dans les structures de soutien pour les écrans, comme dans le contenu des vidéos d’eux-mêmes. Le secret du temps selon l’artiste de Reggio Emilia explose à partir de douze installations vidéo qui composent le nouveau site-projet spécifique qui va accueillir les touristes et les habitants du 18 juin au 29 septembre.

La syntaxe antinarrativa, poétique et évocateur de la Plexus est peut-être mieux représenté par l’énorme livre qui ouvre le chemin, et que le spectateur a la possibilité de parcourir virtuellement.
Pour son voyage émotionnel dans le ventre de la ville éternelle, Plexus confie à la ruine de la fonction du signe. Les Bains, les mosaïques, colonnes, des amphores, et même une robe dans le marbre déplacé par le vent et un hommage à l’œuvre de Giambattista Piranesi – l’auteur, au milieu du dix-Huitième siècle, a contribué à la redécouverte du paysage archéologique – devenir pour les visiteurs une expérience immersive d’un fort impact, un hommage à la dynamique, qui soustrait de l’histoire à l’obscurité de la mémoire à court terme, l’activation d’un mécanisme des émotions.

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Maria Lai et la poétique de la relation à l’exposition au MAXXI

Maria Lai et la poétique de la relation à l'exposition au MAXXI

Rome – La puissance de feu d’une femme combative, et la délicate poésie du fil. C’est cette combinaison de l’intrigante, parfois écrasante, à rester sur le visiteur qui traverse l’univers est multiforme et multi-matériaux Maria Lai.
Le sable et le ciment, la pierre ponce et de la ficelle, de la trempe, et le pain, de velours et de pierres sont tissés ensemble dans cette histoire, divisée en chapitres, qui s’appuie au musée MAXXI, à l’occasion du centenaire de la naissance de l’artiste, une histoire dans l’absence.
Parce que c’est la deuxième fois que le Musée national de l’art du xxème siècle, il accueille une rétrospective de l’artiste à la disparition. Un chemin qui, dans le cours jusqu’au 12 janvier, plein de la vitalité d’une femme dont les rides et que la voix qui accompagne le public à travers les chambres sont fertiles lit de la rivière pour un nombre illimité de langues expérimentés au cours de la longue expérience artistique se caractérise par une quête incessante.

Tenant par la main le soleil est un spectacle, propre, sincère, plein de paysages, de traditions et de les visages de la Sardaigne authentique, où la cosmogonie de la géographie, évoquée par le soleil est alimenté par les sculptures, livres cousus, des travaux publics, de l’célèbres images, mais aussi des robes faites pour les femmes chers à l’artiste, et qui rappellent les vêtements traditionnels des sardines.
De plus de 200 œuvres de l’exposition, qui explorent la personnalité de la Lai et sur les divers aspects de son travail est imprégné de poésie, les traditions et les symboles d’une culture archaïque qui capte l’auditoire grâce à son extraordinaire rapidité d’exécution – certains sont récemment joints à la Collection de la MAXXI.

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Des femmes, des amours, de désirs: les peintures de la préraphaélites « sont en vie » au Palazzo Reale

Des femmes, des amours, de désirs: les peintures de la préraphaélites 'sont en vie' au Palazzo Reale

Milan – Tandis que l’Europe de 1848 est en proie à des révolutions politiques et sociales, en Angleterre, sept étudiants, hostile aux formules apprises à l’Académie Royale, ils se réunissent pour donner vie à une révolution artistique.
Trouver de Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais et William Holman Hunt, leur chef, ils s’engagent à libérer la peinture de l’anglais, de conventions et de la dépendance sur les vieux maîtres, par l’introduction dans l’art et dans la poésie d’un nouveau réalisme.
Ils sont les hommes et les femmes du cercle de la soi-disant “préraphaélite” que d’expérimenter avec de nouvelles croyances et des styles de vie, radicale que leur art. Le même qui peut être capté par les peintures de l’exposition au public pour la première fois au Palazzo Reale du 19 juin au 6 octobre, grâce à un extraordinaire projet de collaboration avec la Tate Britain.

Le chemin d’accès à partir du titre “les préraphaélites. L’amour et le désir”, promu et réalisé par Comune di MilanoCultura, Palais Royal et 24 ORE Cultura-Gruppo 24 ORE, port en Italie, près de 80 œuvres, dont certaines toiles emblématiques qui peine à quitter le royaume-Uni – comme l’Ophélie de John Everett Millais, l’Amour de avril de Arthur Hughes la Dame de Shalott par John William Waterhouse.

L’amour, la fidélité à la nature, et de sa reproduction fidèle, la poésie, les histoires médiévales, le mythe, la beauté sous toutes ses formes, mais aussi les changements sociaux, l’émigration, les préoccupations pour les soins et l’éducation des enfants.

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« Plus de vie »: à la Asolo Art Film Festival, une carrière de 40 ans de Michele Sambin

Trévise – “des images en mouvement deviennent des scores. Avec la vidéo, je fais des choses qui ne peut pas être fait si ce n’est avec la vidéo. La recherche de la beauté est quelque chose qui demande toute votre vie, il ne se termine jamais”.

Vous pourrait se condenser ces observations, le chemin d’accès de l’artiste Michele Sambin, l’un des pionniers de l’art vidéo, créateur de spectacles, de représentations théâtrales, des peintures et des scores, qui atterrit à la Asolo Art Film Festival avec Plus de vie, le film qui raconte, dans un cadre intime et de béton, ses quarante ans de carrière artistique.
La première officielle est prévue pour le 21 juin à 16 h 45 au Teatro Duse à Asolo.

Directeur artistique de la compagnie, musicien et peintre, paduan, né en 1951, des croix et des expériences avec différentes technologies dans leur évolution, à partir de la vidéo analogique à numérique de la peinture, des instruments traditionnels de la musique électronique. Comment les idées sont-elles créées? Quelle est la relation entre l’art et le temps? À travers les œuvres de l’archive, et le travail quotidien de Sambin, le film Raffaella Rivi, produit par Kublai Film en collaboration avec Jolefilm, offre un regard direct sur l’art en tant que le béton qui traverse le temps et transforme l’espace.

Au début des années Soixante-dix, Sambin attire leur intérêt à l’intersection entre les différents arts: le cinéma, la musique, la vidéo, la peinture, utiliser le théâtre comme un lieu de synthèse.

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Van Gogh comme vous ne l’avez jamais vu: un voyage dans les affections de la peintre

Van Gogh comme vous ne l'avez jamais vu: un voyage dans les affections de la peintre

Le monde – Un artiste, introverti et solitaire? Oui, mais pas seulement. “C’est comme si, en lui, il y avait deux personnes, l’une avec un talent exceptionnel, sensible et doux, l’autre concetrata sur lui-même et détaché”, écrit-il à propos de Vincent Van Gogh à son frère Théo, dans une lettre à sa sœur Willemien.
Pour la première fois, une exposition explore les multiples facettes de la figure du peintre hollandais, en relation avec les personnes importantes de sa vie, de mettre dans le champ de peintures, de dessins et de précieux documents privés, dont beaucoup sont inconnus du grand public.

À partir de septembre prochain 21 12 janvier 2020, l’exposition “Van Gogh »s Inner Circle: les Amis, la Famille, les Modèles” vous permet de vous rapprocher et par-delà les stéréotypes de l’homme de Van Gogh dans le cadre de Het Noordbrabants Museum à ‘s-Hrtogenbosch, à quelques kilomètres des lieux de Brabant, sud, où l’artiste est né et a passé sa jeunesse.
C’est un chemin d’accès complet et bien documenté, qui a conçu pour l’occasion par Sjraa van Heugten, ancien directeur des collections du Musée Van Gogh à Amsterdam, qui comprend environ 90 pièces, y compris le prestigieux prêts internationaux et de grands travaux: encore la vie avec de la Bible en provenance du musée de la capitale néerlandaise, Madame Roulin qu’il balance le berceau connu comme La Berceuse – l’Institut d’Art de Chicago, l’Arlesiana (Madame Ginoux) de la Galleria Nazionale d’arte Moderna e Contemporanea à Rome.

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Ouverture extraordinaire de la Sant’Ivo alla Sapienza. La perle Baroque est en train de préparer pour la restauration

Rome – la Dernière chance de visiter Sant’ivo alla Sapienza, un joyau de l’empire romain, de style Baroque, et est habituellement fermé au public en raison des dommages du tremblement de terre de 2016. Avant de céder la place à une intervention massive de la consolidation, de l’église ouvrira exceptionnellement ses portes au public demain, vendredi 21 juin, de 9 à 13 et de 14 à 18 ans, avec des visites pour les soins de la Soprintendenza Speciale de Rome.

À deux pas de la Piazza Navona, Sant’ivo est une architecture qui est entièrement d’origine, un cas unique en son temps, ne pas le cas, le résultat de l’ingéniosité de l’architecte qui sort de l’ordinaire comme Francesco Borromini. La conception a été l’une des tâches les plus difficiles pour l’interprète de la musique Baroque, en raison de l’espace limité et la nécessité de s’adapter à l’église du pré-existantes, les structures du Palais de la Sagesse, de l’ancien siège de l’université de Rome.
Mais Borromini ne pas perdre courage et transformé les frontières de prétextes à de nouvelles inventions: une triangulaire que doublé, en formant une étoile à six branches, d’une suppression de l’alternance de surfaces convexes et concaves, le dôme étendu vers le haut, qui culmine dans une lanterne inspiré par le Phare d’Alexandrie, en insistant sur le rôle de l’orientation que l’église aurait eu pour les fidèles.

Le phare n’est pas le seul symbolisme qui est caché parmi les volumes, les monuments de Sant’ivo, où les appels allégorique ne manquent pas: si les triangles représentent la Trinité divine, le cercle dans lequel ils sont enfermés à l’symbolise la perfection, tandis que la conception globale de la plante donne de la vie à la figure stylisée de trois abeilles, et les personnifications de la prudence, de la charité, et son ardeur au travail, mais aussi les emblèmes de la maison de Barberini, qui appartenait au client et le pape Urbain VIII.

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Botticelli, « invité de marque », au Palais Zevallos

Botticelli, 'invité de marque', au Palais Zevallos

Naples – Le corps du Christ mort dans le premier plan, la Vierge, accablé par le chagrin, Marie de Magdala, enveloppé dans un tissu rouge et ferma les yeux, entouré de transport pieds oublier du Sauveur, tandis qu’une deuxième femme tient entre ses mains la tête de Jésus. En haut de la composition, de Joseph d’Arimathie montre au ciel les symboles de la Passion, faites par la couronne d’épines et les trois clous prises à partir de la croix et du corps du Christ.
Datant des premières années du Seizième siècle, la Lamentation sur le Christ mort et l’un des plus beaux exemples de la maturité de la production de Sandro Botticelli, seront exposées jusqu’au 29 septembre à la Gallerie d’italia – Palais Zevallos Stigliano, Intesa Sanpaolo musée de Naples.
Le chef-d’œuvre – qui est identifié à la peinture décrite en 1568 par Giorgio Vasari, sur un autel dans la florentine de l’église de Santa Maria Maggiore – il a été acheté le 12 mars 1879 par le noble collecteur de Gian Giacomo Poldi Pezzoli, et c’est à partir de la maison-musée à milan, italie, arrivée à Naples à l’occasion de l’exposition organisée par Alessandro Cecchi.

L’arrivée de l’œuvre de Botticelli, Milan, inaugure la neuvième édition de l’événement, L’Invité de marque qui, dans les lieux d’exposition de Intesa Sanpaolo – les Galeries de l’Italie et de la 36e étage du gratte-ciel de Turin – un prêt temporaire de prestigieux musées italiens et étrangers.
L’œuvre du grand maître de la Renaissance, qui reproduit avec l’extraordinaire implication émotionnelle au moment où Jésus, après s’être détaché de la croix sur le Golgotha, est en train d’être déposé dans le sépulcre, parler à un chef d’œuvre, un thème similaire faite dans les mêmes années, et conservée au Musée et Réel Bosco di Capodimonte à Naples, comme un témoignage de la relation étroite entre Florence et Naples, entre le QUINZIÈME et le SEIZIÈME siècle.

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